Les artistes nominés pour le Prix de dessin 2026 de la Fondation Guerlain

Une exposition des œuvres des trois artistes sélectionnés sera présentée au Salon du dessin qui se tiendra au Palais Brongniart, place de la Bourse à Paris, du 25 au 30 mars 2026.

Le jury se réunira le 26 mars et l’annonce du lauréat sera faite le jour même.

Textes de Marie Maertens

L’œuvre de Cathryn Boch

Cathryn Boch dessine avec la couture, la mêlant à des supports tels que cartographies, images satellites ou cartes postales, mais aussi acryliques ou autres matériaux. Sa quête du corps et de l’intime a rejoint celle des territoires et des paysages, pour nous conter l’histoire des hommes.

Dès ses études dans les années 1990 et à une époque où les plasticiennes et penseuses sont peu médiatisées, Cathryn Boch investit le champ de l’intime dans ses aquarelles. Elle y représente son propre corps, y parle de fluides et de circulation, témoignant autant d’elle que des autres. Le médium du dessin, avec ses déliés, s’impose comme une évidence.

« Je l’ai toujours considéré comme un continuum, un lien privilégié avec la pensée. Le dessin est direct, immédiat mais c’est aussi un espace de recherche, de tentatives et d’expériences. Ce n’est jamais quelque chose qui s’annonce et s’avère déterminé à l’avance… ».

L’artiste se met à beaucoup voyager et aime postuler à des résidences qui lui feront découvrir les pays de l’Est, notamment la Lituanie ou la Pologne. À force de consulter ses cartes routières ou les plans des villes qu’elle arpente à pied, elle décide d’en faire sa source de travail, considérant les routes et les fleuves comme des corps, des organes et des flux. Peu à peu, elle évoque autrement la figure, dans une forme de métaphore des mouvements sur ces territoires.

Cathryn Boch
Sans titre, 2017
Photo aérienne, tirage argentique, carte topographique, cartographie Algérie, glaçage au sucre, couture machine, couture main, 79 x 117 x 17 cm.
courtesy Cathryn Boch/ADAGP 2025. ©Jean-Christophe Lett

Cathryn Boch
Sans titre, 2019
carte IGN, peinture, cire, calque topographique, carton, fil de fer, images de presse, henné, couture machine, couture main, 160 x 70 x 25 cm
courtesy Cathryn Boch/ADAGP 2025. ©Jean-Christophe Lett

L’œuvre de Simon Schubert

En parallèle de sa propre technique de papier plié avec laquelle il développe une architecture en constante évolution, Simon Schubert travaille des noirs et des couleurs profondes. Ses feuilles aux blancs éclatants s’exposent aux côtés de pigments très denses, plongeant le spectateur dans un monde qui parle d’absence et d’existence.

Simon Schubert navigue entre la dextérité de feuilles pliées au blanc immaculé et la densité de la poudre graphite. Il y représente le plus souvent des architectures intérieures, de longs couloirs, des escaliers, des portes closes, des rayons de soleil émergeant de fenêtres, totalement exempts de personnages. Il y crée des univers dans lesquels un sentiment de solitude ou d’absence s’impose, où l’espace et la lumière deviennent des sujets en soi.

Lors de ses études de sculpture, Simon Schubert a inventé une technique de pliage, créant profondeur et perspective, lui permettant de lier les arts plastiques et son intérêt pour la littérature ou la philosophie. Il est notamment fasciné par Samuel Beckett, et sa pièce Quad, composée de quatre acteurs apparaissant et disparaissant dans un carré, autant que par la construction de ses écrits.

« Pour essayer de me connecter d’une certaine manière à Samuel Beckett, de réfléchir à son œuvre et de l’intégrer à la mienne, j’ai souhaité reproduire son visage. Mais j’y ai symbolisé les rides par les plis du papier. Cela me semblait faire écho à sa manière de travailler le langage, poussé quasiment à l’abstraction, voire la disparition. J’ai imaginé un dessin sans crayon, afin que cette technique structure et s’évanouisse dans le blanc. »

Un temps assistant d’un professeur de philosophie, Simon Schubert se passionne pour Gottfried Wilhelm Leibniz puis Gilles Deleuze, et « cette hypothèse d’une réalité, d’un monde replié sur lui-même ». L’artiste nous présente un monde séquencé, fait de travellings avant et arrière. Il isole des pans, construit et déconstruit ses architectures fictives ou réelles. Ses sujets se révèlent similaires, mais plus resserrés, dans ses dessins de graphite noir, où des vues latérales de fenêtres ou d’intérieur semblent renvoyer à Johannes Vermeer ou Vilhelm Hammershøi. Dans ces « presque riens », il laisse l’esprit divaguer vers une vision mélancolique et existentielle de la vie, il fait appel à notre perception et nos projections.

« Je cherche à renvoyer à notre imagination, nos souvenirs et à visualiser bien au-delà de ce que nous montre le dessin, afin qu’il en devienne une image plus personnalisée et profonde. »

Depuis quelques années, Simon Schubert introduit la couleur, dans une forme d’abstraction boréale aux dominantes de rose pourpre ou de prune. Il qualifie ces œuvres « de miroirs spatiaux », réfléchissant tout autant l’esprit des lieux que les émotions des spectateurs…

Simon Schubert
Sans titre 2025
(Lumière à travers la fenêtre)
Graphite sur papier
70 x 50cm.
©Simon Schubert.

L’œuvre de Ronie Spoelstra

Avec de grands formats aux noirs denses et profonds, aux multiples dégradés de gris, Renie Spoelstra plonge son spectateur dans des paysages qui retranscrivent ses sentiments. Montagnes, forêts, nuages, lacs ou rochers deviennent les personnages principaux d’un récit intime et atemporel.

Si elle ne donne jamais d’indication précise sur les lieux qu’elle visite, Renie Spoelstra débute ses voyages par de longues marches et temps d’observation, dont elle enregistre des images (photographies ou vidéos). Des paysages néerlandais à ceux de l’Amérique du Nord, du Canada ou du Pérou, elle laisse naviguer ses propres émotions face à ce qui la regarde. De retour à l’atelier, elle fait des captures d’écran et s’attèle à des formats souvent de grandes dimensions, exclusivement au fusain. Ce travail silencieux et solitaire lui fait retrouver les sensations vécues face aux éléments, les moments de joie ou de résilience.

De ces périples découlent de multiples feuilles aux rythmes donnés par la brume se dissipant, l’eau coulant en cascade, l’inclinaison des arbres ou le calme des lacs. Elle précise que le reflet de l’eau lui permet de se connecter à son subconscient. Elle apprécie le lien que l’on peut tisser, dans cette approche spirituelle du paysage, avec son compatriote Piet Mondrian, l’un de ses artistes préférés, notamment pour sa représentation des arbres.

« J’aime cette manière de souligner l’espace entre les branches, qui nous apporte la sensation d’être vraiment présents, de pouvoir observer et absorber la nature. L’idée n’est pas de dessiner de façon réaliste, mais plutôt de l’intérieur… de ressentir le végétal puis de le donner à voir de la bonne manière. D’arriver ainsi à l’essence-même du sujet », précise-t-elle.

Renie Spoelstra
Glacier View
série High Altitude, Peru, 2023
Fusain sur papier, 240 x 350 cm.
© Renie Spoelstra.

Renie Spoelstra
Glacier View
série High Altitude, Peru, 2023
Fusain sur papier, 240 x 350 cm.
© Renie Spoelstra.

Plus d’informations sur le Prix de dessin de la Fondation d’art contemporain Daniel et Florence Guerlain